Isaac Julien: O que a liberdade é para mim

Entrando na pesquisa de quarenta anos da carreira de Isaac Julien, What Freedom Is To Me, você corre um desafio edificante, um corredor que oferece uma crítica peremptória dos filmes clássicos e seminais do artista: Territórios (1984), Isto não é um anúncio de AIDS (1987), Quem matou Colin Roach? (1983) e Fronteiras Perdidas (2003). Essas obras, criadas com o Sankofa Film and Video Collective, apresentam as raízes e o kit de ferramentas fundamental da abordagem de Julien ao cinema e à justiça social. Julien sempre se concentrou em personalidades vibrantes (e geralmente ativistas) e depois bordou suas vidas com imagens encontradas e dramaticamente recriadas, bem como interlúdios líricos de fantasia. Na perspectiva mais ampla da exposição, os primeiros trabalhos são deixados de lado em favor de uma seleção de sua obra mais acabada e cinematográfica que vai de 1989 até o presente. O que a liberdade é para mim é uma experiência fortemente coreografada que apresenta ao espectador, deve-se supor, o corpo de trabalho e o estilo de produção que o artista e os curadores desejam causar o maior impacto.

O arquiteto David Adjaye projetou o layout da exposição com o artista. Desde nossa cartilha inicial no vintage Julien, somos guiados para seu trabalho mais recente, Once Again…(Statues Never Die) (2022), e além disso, o espectador se encontra no centro de um layout em forma de estrela de seis pontas, composto das telas de cinema. Seis caminhos irradiam de um átrio central e, em cada um desses becos, encontramos uma história ou histórias diferentes: a de Frederick Douglass em Lessons of the Hour (2019); Langston Hughes em Procurando por Langston (1989); a arquiteta ítalo-brasileira Lina Bo Bardi em Lina Bo Bardi—A Marvelous Entanglement (2019); a tragédia dos catadores de mariscos de Morecambe Bay em Ten Thousand Waves (2010); uma história de fantasmas ambientada no Museu de Sir John Soane em Vagabondia (2000), e assim por diante. A exposição é densa; a maioria dos vídeos dura cerca de 20 a 40 minutos, então, para realmente entender Julien, é preciso passar a maior parte do dia na exposição ou retornar mais de uma vez. É uma homenagem ao público de arte britânico e ao artista que a maioria dos espectadores que testemunhei se plantou nos bancos ou cadeiras dobráveis ​​fornecidas, ou sentou no chão, e assistiu aos vídeos o tempo todo, ou pelo menos por longos períodos. de tempo. Mas foi esse sentimento de doação de si mesmo e de seu bem mais valioso - seu tempo - que foi incorporado ao design da exposição. Já no bojo do espetáculo, as escolhas possíveis ganhavam um surrealismo de Alice no País das Maravilhas. Pode-se simplesmente perambular de caminho em caminho (com diferentes cores de tapetes) assistindo a filmes neste espaço, desprovido de qualquer noção de tempo. Entre as passagens estão as grandes cópias, fotos e vinhetas dos filmes de Julien, bem como vitrines de coisas efêmeras - adereços, figurinos e afins - das várias produções de Julien. A intenção do artista, curadores e designer parece ser que o espectador fique completamente imerso na expressão fílmica de Julien.

Esta apresentação megaplex da obra de Isaac Julien destaca maravilhosamente as correlações entre as obras maduras do cineasta, permitindo aos espectadores a rara chance de fazer conexões entre os longas-metragens à sua disposição. Por exemplo, os querubins queer brilhantes e sorridentes em Procurando por Langston são avatares da imortalidade da cultura gay subversiva em face da constante tragédia da epidemia de AIDS, cujo flagelo estava no auge quando Julien fez o filme em 1989 Trinta e três anos depois, os querubins retornam em Once Again… (Statues Never Die), desta vez tornando-se símbolos do amor entre o teórico cultural Alain Locke e o filósofo e crítico Albert C. Barnes. Explosões felinas de atores em performances espontâneas aparecem em muitas das obras de Julien. Em Lina Bo Bardi—A Marvelous Entanglement, os movimentos de uma diáfana dançarina rodopiante em vermelho imitam as curvas de uma escada em caracol projetada pelo arquiteto para o Museu de Arte Moderna da Bahia em Salvador, Brasil, como se a dançarina tivesse canalizado o espírito de arquitetura. Em Ten Thousand Waves, a igualmente etérea deusa do mar, Mazu, flutua sobre as cidades e através das nuvens, eventualmente pousando em um arranha-céu contemporâneo. Ambas as entidades femininas são seres místicos que interrompem ou aumentam as narrativas biográficas e históricas que o cineasta tece em suas elaboradas e operáticas montagens cinematográficas.